Zum letzten Mal, diese Worte tun immer besonders weh, wenn einem eine Produktion gut gefällt. So erging es mir auch an diesem Tag. Seitdem ich diese wirkliche wunderbare, intelligente, einfach passende Inszenierung von Doris Dörrie zum ersten Mal gesehen habe, hat sie mich in ihren Bann gezogen. Die Übertragung ins heutige Japan funktioniert wirklich sehr gut und gefällt mir genauso gut wie die “authentische” der Staatsoper.
Obwohl mir das Orchester an manchen Stellen einfach zu laut war, habe ich diese Vorstellung sehr genossen. Die wirklich ausgezeichneten Solisten dieses Abends, allen voran die fabelhafte Elaine Ortiz Arandes, die dieses junge Mädchen so herzzereissend singt und spielt. Gregor Dalal glänzte als Sharpless und Adrian Xhema sang den Pinkerton wie immer sehr gut. Hans Kittelmann hat mir als Goro wirklich ausgezeichnet gefallen, ebenso wie Dirk Lohr und Franziska Rabl.
Ein würdiger Abschied für dieses tolle Stück.
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7. Kammerkonzert – Festkonzert »Kein’ Musik ist ja nicht auf Erden«, 24.07.2011, GärtnerplatztheaterIch muss gestehen, ich habe noch nie bewusst etwas von Gustav Mahler gehört. Aber ich habe ja schon so viele Sachen zum allerersten mal in Münchens schönsten Theater gehört, warum also nicht auch mal was von Mahler. Wenn ich richtig mitgezählt habe, war das die 25. Vorstellung dieser Inszenierung, die ich besucht habe. Und ich habe keine Minute bereut. 
Das auffälligste an dem Gesamtkunstwerk “Die Piraten von Penzance” ist die unglaublich positive Energie, die davon ausgegangen ist. Ob es nun an den Melodien, dem Ensemble, der Regie, der Bühne, den Kostümen, dem Licht lag? Vermutlich an allem zusammen. Das schönste Theater Münchens bot aber auch ideale Bedingungen für eine gelungene Inszenierung: gute Sänger, das waren an diesem Abend Stefan Sevenich, der dem Piratenkönig noch ein Hauch mehr komische Durchschlagskraft verlieh als sonst, Heike Susanne Daum, die die Mabel resolut spielte und fein sang und Robert Sellier, dessen Frederic einfach unglaublich schön gesungen und unglaublich komisch gespielt war. Den drein ein nichts nach standen Sebastian Campione als Samuel, Gunter Sonneson als Generalmajor, Martin Hausberg als Sergeant und Frances Lucey, Carolin Neukamm und Ulrike Dostal als die Leading Ladies der Töchterschar, nur Susanne Heyng war mir persönlich etwas zu sehr zurückhaltend. 
Ihnen allen ist eines gemein: ein unglaublich komisches Talent, dass auch der wunderbare, zwitschernde Damenchor und der Piraten und Bobbies hervorragend repräsentierende Herrenchor besitzt. Ohne dieses Talent, ohne die wirklich gute Übersetzung und ohne ein Orchester, das den feinen, britisch-ironischen Ton von Arthur Sullivan so gut trifft, wäre das Stück sicher nicht so ein Erfolg geworden. 
Ich bin sehr gespannt, ob die Neuinszenierung von “Der Mikado” in der nächsten Spielzeit wieder diese Leichtigkeit, diesen Witz und diese ironische Überzeichnung schafft, die das Münchner Publikum so ins Herz geschlossen hat. Das wäre ja dann zumindest ein Trostpflaster. So bleibt mir nur zu sagen: ByeBye Piraten, Bobbies, Mädchen, Generalmajor und Ruth (sind die beiden nicht ein allerliebstes Paar?), Sergeant und Edith, Samuel und Kate, Frederic und Mabel, Piratenkönig! Ich hab Euch in mein Herz geschlossen.
alle Bilder © Lioba Schöneck Ähnliche Artikel:Nachdem ich die Lesung in Leipzig dieses Jahr verpasst hatte, bot sich hier die Gelegenheit, das versäumte nachzuholen. Und wer schon einmal eine Lesung des sympathischen Autors besucht hat, weiß, dass sich dafür auch lange Anfahrtswege lohnen. In diesem Fall war kein weiter Weg nötig, den die Lesung fand im Restaurant Ludwigs statt, dass in München direkt am Viktualienmarkt liegt. Die Veranstalter hatten sich alle Mühe gegeben, den Raum lesungsgerecht herzurichten, allerdings war es sehr warm und der Autor, der ein mittelalterliches Kostüm trug, war wirklich nicht zu beneiden. Außerdem wurde während der Lesung an der Bar gearbeitet und trotz Mikrofon waren diese Hintergrundgeräusche sehr störend. Zu Beginn erklärte uns der Autor seine Gewand. Es war die typische Kleidung eines Edelmannes, Rogers de Bezers oder Rudolf von Habsburg könnten so etwas getragen haben. Besonders Hallo gab es im Publikum, als es an die Beinlinge und die Bruche ging und Richard Dübell blieb es auch nicht erspart, einmal ganz kurz die Haube aufzusetzen Nach einer kurzen Einführung in die Thematik des Romans las der Autor eine Szene vom Beginn des Romans und zwar diejenige, die in den Besuch des Bischofs und seiner Entourage im Hospiz mündet. Wer die Szene kennt, weiß, dass es hier viel zu Lachen gab. Denn wie kein zweiter versteht es Richard Dübell jeder Figur Leben einzuhauchen, indem er sie mit einer anderen Stimme versieht. Danach gab es eine kleine Pause, in der der Autor Bücher signierte, während draußen schon mal der Weltuntergang geprobt wurde. Im zweiten Teil gab es dann eine eher zarte Stelle, die Nacht, in der Rogers und Yrmengard das erste Mal allein sind. Auch hier kamen die Emotionen sehr gut rüber, unterstützt noch durch leise, passende Musik und Töne. Danach beantwortete Richard Dübell sehr geduldig Fragen des Publikums. Am Ende dieses sehr gelungenen Abends gab es viel verdienten Applaus für ihn.
Ähnliche Artikel:Da ich den Freischütz zwar unheimlich gerne mag, aber die aktuelle Inszenierung am schönsten Theater Münchens szenisch ziemlich unterirdisch finde, war ich sehr gespannt auf die halbszenische Umsetzung im Rahmen des Jubiläumskonzertes zum 150-jährigen Bestehen der Chorgemeinschaft Fürstenfeldbruck. Regisseur Michael Stacheder brachte das Wunder fertig, auf der eher kleinen Bühne ca. 80 Mitwirkende des Chores unterzubringen und den Solisten trotzdem noch Freiraum zum Spielen zu geben. Er verlegte die Handlung in die Fünfziger Jahre, was in sich stimmig war und die Geschehnisse stärker an das Publikum heranbrachte. Ein guter Teil davon dürfte sich eh an die Zeit noch erinnern Die Solisten waren durch die Bank hervorragend. Torsten Frisch spielte und sang bei seinem Rollendebüt den Kaspar sehr eindringlich, genauso wie Tenor Adrian Cave den Max. Auch die Frauenseite war exzellent besetzt, Monika Rebholz als Agathe und Sonja Adams als Ännchen haben mir wirklich ganz ausgezeichnet gefallen, in den Duetten harmonierten beide Stimmen ganz wunderbar. Die restlichen Rollen waren mit Holger Ohlmann, Thomas Hohenberger, Martin Ohu und Adrian Sandu sehr gut repräsentiert. Der Chor spielte ein bisschen mit und sang sehr schön, auch wenn es mich etwas gewundert hat, dass einige Herren noch vom Blatt singen mussten. Das Orchester unter Klaus Linkel fand genau den richtigen Weber-Ton, dramatisch und sanft zugleich. Am Ende viel Jubel für alle Beteiligten, eigentlich schade, dass es nur eine Vorstellung gab. Das hätte ich mir glatt nochmal angesehen. Ähnliche Artikel:Vor zwei Jahren hat mich diese Inszenierung von Doris Dörrie sehr beeindruckt. Sehr modern, aber gut. In dieser Vorstellung war ich mit der Gesamtsituation irgendwie unzufrieden. Die Solisten waren alle hervorragend, und es kamen trotzdem nicht viele Emotionen auf. Ich fand es bedauerlich, dass der Kostümbildner nicht in einen Kimono investiert hat, und ich überlegte genervt, warum Cho-Cho-San denn nicht den reichen Yamadori nimmt. Da ist einer, der sie liebt, und sie ist zu blockiert, um das wahrzunehmen. Die Leute stehen sich ständig selbst im Weg, immer wieder ärgerlich anzusehen. – Wenn mein Gehirn sich an den sekundären Handlungssträngen aufhängt, ist das meist kein gutes Zeichen: Das war im großen und ganzen nicht die Gedankenwelt, die die Regisseurin erzeugen wollte. An diesem Abend war, für mich jedenfalls, ziemlich der Wurm drin. Das Orchester spielte für meine Ohren ganz außergewöhnlich ungewohnt. Teilweise klangen die Musiker so unbeholfen durcheinandergewürfelt, als würden sie ohne Dirigent spielen, und über weite Strecken waren sie einfach zu laut für den wundervollen lyrischen Sopran von Elaine Ortiz Arandes, die ich über alle Maßen schätze, aber das Orchester muss sich natürlich anpassen, damit die Sänger angemessen zur Geltung kommen. Wenn diese Oper schon auf Deutsch aufgeführt wird, hätte ich gerne auch ein bisschen was vom Text verstanden. 
Als ich das hochinteressante Interview mit Elaine Ortiz Arandes las (hier auf diesem Blog), und über ihre Interpretation von Puccinis Intentionen nachdachte, bekam ich einen heftigen Anfall von Pedanterie, was vor allen Dingen zeigt, dass Hintergrundwissen dem Kunstgenuss nicht immer zuträglich ist: Ich meine, mit Puccini ist sein südländisches Temperament durchgegangen. Es ist sehr unwahrscheinlich, dass Butterfly, eine Japanerin, tatsächlich die Drama Queen gewesen wäre, als die er sie darstellt. Natürlich kann man Puccini nicht vorwerfen, dass er nicht in Wikipedia recherchiert hat, und man wusste damals im Westen noch herzlich wenig über die japanische Mentalität. Mich reizt es aber zum Lachen, wenn Puccini sein romantisches Ideal der leidenschaftlichen Liebe (deren Größe oft nur durch den Tod eines Protagonisten so richtig überzeugend gezeigt werden kann) auf seine japanische Hauptfigur überträgt. Was er damals nicht wusste, ist, dass in der japanischen Gesellschaft Ehe und Sex nicht notwendigerweise etwas miteinander zu tun haben. Eine Freundin von mir sah in ihrer japanischen Gastfamilie, wie die Dame des Hauses ihrem Ehegatten völlig selbstverständlich neben seinem Taschengeld auch das Geld für seinen zweiwöchentlichen Bordellbesuch vorzählte. (Vermutlich mit der Ermahnung verbunden, nicht wieder das teuerste Mädchen zu nehmen.) Das ist für Japaner ganz normal. Was Puccini, der für ein vielseitiges Liebesleben bekannt war, sich wohl auch nicht vorstellen konnte: Asiatische Frauen interessieren sich bei Europäern eher für die inneren Werte. Oder, anders ausgedrückt: Viele Asiatinnen finden westliche Männer nicht per se äußerlich attraktiv. Das weiß ich jedenfalls von chinesischen Bekannten und einer koreanischen Freundin, und es ist schwer vorstellbar, dass für die abgeschottete, teilweise xenophobe japanische Kultur etwas anderes gelten sollte. Die Sache mit den Ritualsuiziden ist in Japan ja leider aus der Mode gekommen: Statt der Entschuldigungen und Verbeugungen der Tepco-Manager, die für Fukushima verantwortlich sind, hätte ich persönlich lieber ein paar traditionelle Seppuku-Rituale gesehen (wobei Seppuku übrigens den Samurai vorbehalten war). So ein ritueller Selbstmord wurde damals ordentlich vorbereitet, oft über Monate hinweg, und war festen Regeln unterworfen, mit Protokollanten, Totengedicht und weißer Trauerkleidung. Er konnte durchaus auch Protest ausdrücken, aber er wurde nicht aus einem Affekt heraus durchgeführt, sondern wurde eher als Schlußpunkt für offizielle Angelegenheiten gewählt, selten für private Probleme. Bei Frauen gab es auch Ritualselbstmorde, aber das waren nur wenige Einzelfälle. Selbstverständlich hat die japanische Sprache ein anderes Wort dafür, sobald es sich um Frauen handelt: Jigai. Zwar waren Japaner in früheren Zeiten sehr ehrpusselig, aber das Konzept der “Ehre” schließt einen gewissen Pragmatismus nicht aus. Ich gehe ohnehin davon aus, dass Geishas einen elastischeren Ehrbegriff hatten als die Normgesellschaft. Es scheint wenig glaubhaft, dass ausgerechnet eine Geisha (beziehungsweise, wenn sie erst fünfzehn ist, wäre sie wohl eine Geisha-Schülerin) sich nur wegen eines Mannes derart echauffieren würde. Ein Mädchen aus dem Geisha-Milieu würde wissen, dass a) nicht nur Frauen wankelmütig sein können, b) andere Mütter auch schöne Söhne haben und c) sowieso in jedem Prinzen ein Frosch versteckt ist. Das wäre hier Benjamin Franklin Pinkerton. In dieser Rolle konnte ich mir Adrian Xhema zuvor nicht so richtig vorstellen, aber ich fand ihn super, ganz große Klasse. Ebenfalls hervorragend war Gregor Dalal als Konsul Sharpless. Franziska Rabl als Suzuki sang sehr gut. Erstaunlicherweise wirkte sie vor der Pause nicht besonders japanisch, nach der Pause aber schon. Die anderen Sänger waren, wie gesagt, ebenfalls ausnahmslos alle gut. Dafür bin ich sehr dankbar, denn bei den ganzen Verwandten, Priestern und Beamten verliere ich immer sofort den Überblick. – Die rührendste Stelle der ganzen Oper ist für mich übrigens nicht das Ende, wo Butterfly – nein, ich verrate nicht, wie es ausgeht – jedenfalls, die einzige Zeile, die ich aus diesem Abend mitgenommen habe, war von dem abgewiesenen Bewerber Yamadori, dargestellt von Dirk Lohr, der singt: “Ich gehe, aber mein Herz bleibt hier”, und dann setzt er seine Sonnenbrille wieder auf und verschwindet in der untergehenden Sonne. Ganz großes Kino. Ehem. Tschuldigung. Manchmal fehlt es mir einfach noch am nötigen Tiefgang. Ähnliche Artikel: Kommentare sind geschlossen  Nachtmusik, Oper  Adrian Xhema, Dirk Lohr, Doris Dörrie, Elaine Ortiz Arandes, Franziska Rabl, Gärtnerplatztheater, Giacomo Puccini, Gregor Dalal, Madama Butterfly, Oper, Staatstheater am Gärtnerplatz Über diese Vorstellung habe ich wieder drüben bei mucbook geschrieben. Ähnliche Artikel:Nachdem uns hier langsam die Superlative ausgehen, wenn wir eine weitere exzellente Vorstellung von Sergej Prokofjews “Die Liebe zu den drei Orangen” besprechen wollen, werde ich jetzt einfach mal aus alten Liebesbriefen zitieren. Los gehts: “Zuerst fand ich dich ziemlich schräg, aber dann habe ich mich richtig heftig in dich verliebt. Dein hintergründiger Humor ist sehr ungewöhnlich.” (Aber ja, ich erinnere mich genau: Nach der ersten Verabredung hatte ich Kopfschmerzen.) Verliebtsein ist jedenfalls nichts für schwache Nerven, wie der getreue Truffaldino feststellt, der den Prinzen auf seiner Suche nach den Orangen begleiten muss. (Cornel Frey ließ sich zwar ansagen, aber er sang und spielte so hervorragend wie immer.) Baudelaire meinte dazu: “Liebe ist so unbedenklich und wohltuend wie ein Löffel Salzsäure auf nüchternen Magen.” Prokofjews Musik ist beim ersten Mal anstrengend, aber beim zweiten Mal geht es deutlich besser. Schon recht bald wird sie sogar sehr eingängig, und es kristallisieren sich regelrechte Gassenhauer heraus: Melodien, die ich auf der Straße pfeifen werde, wenn ich sie noch ein- oder zweimal gehört habe. Es gibt natürlich ganz verschiedene Spielarten der Liebe, und in diesem Stück werden sehr viele interessante Optionen umrissen. Zum Brüllen komisch finde ich die Szene, wo der Regisseur vermutlich sagte: “Die nächsten Minuten gibt’s Gruppensex für alle, und wenn danach jeder einen Stuhl wegträgt, dann ist die Bühne gleich wieder aufgeräumt.” – Ich weiß, ich bin ein schreckliches Lästerschweinchen, und ich möchte doch sehr bitten, meine kleinen Sticheleien souverän zu ignorieren, denn man muss neidlos zugeben: Die Inszenierung von Immo Karaman ist perfekt. Ich liebe dieses Stück, es ist die interessanteste Inszenierung, die ich überhaupt jemals gesehen habe.
P.S.: In dieser siebten (meiner dritten) Vorstellung habe ich es zum ersten Mal geschafft, Prinzessin Clarisse und die Hexe Fata Morgana zuverlässig auseinander zu halten. P.P.S.: Das gehört jetzt wirklich nicht hierher, aber – an alle, die um Mitternacht mitgesungen haben: I love you! You made my day. Ähnliche Artikel:Mich reizt am Gastspielen besonders die Möglichkeit, ein vertrautes Stück mal auf einer anderen Bühne zu erleben und zu sehen, wie es in einer anderen Umgebung als dem schönsten Theater Münchens wirkt. Die Inszenierung wurde den Gegebenheiten angepasst, besonders gefallen hat mir, dass das Publikum in der vollen Breite der Bühne miteinbezogen wurde. Bei der zweiten Vorstellung saß ich ganz unten, und dieses Erlebnis war ganz besonders intensiv. Trotz der Intimität des schönsten Theater Münchens kommt man ja den Darstellern nie so nahe wie hier. Auch die Auftritte fanden teilweise aus den Rängen statt und sorgten für besondere Publikumsnähe. Ähnliche Artikel:Barockmusik-Fans waren in diesen Tagen hervorragend bedient: Ende Juno gab es Alte Musik in Ingolstadt und die Premiere der Telemann-Oper “Der geduldige Sokrates” am Gärtnerplatztheater, dann am ersten Juli-Wochenende die Barocknacht in Olching am Samstag und die zweite Sokrates-Aufführung am Sonntag. Am Samstag war ich allerdings nicht in Olching (obwohl es dort ausgesprochen schön gewesen sein soll), sondern ebenfalls im Gärtnerplatztheater, wo ich eine mal wieder ganz hervorragende Vorstellung der “Piraten” sah. Das hat mit Alter Musik nur insofern zu tun, als dass Holger Ohlmann ebenfalls da war, und zwar in einer der Hauptrollen als Piratenkönig. Genau der Sänger, der am folgenden Abend seine persönliche Premiere in der Titelrolle des Sokrates hatte, in der ersten Vorstellung der Alternativbesetzung am Sonntag. Wir lernen daraus: Opern singen ist ein Knochenjob. (Er hat sich übrigens nicht geschont, falls diese Frage irgendjemandem auf der Zunge liegt.) Die Termineinteilung war allerdings, das sehe ich ein, organisatorisch nicht anders machbar, weil sich diverse Kollegen auf einem Gastspiel in der Türkei befinden. In dieser zweiten Sokrates-Vorstellung war ein erstaunlich großer Teil der kleinen Fehler aus der Premiere ausgemerzt. Die ganze Oper wirkte aufgeräumter und glattgeschliffener. Schade eigentlich. Das Wilde aus der Premiere, diese vereinzelten Barock-trifft-Punk-Momente – tja. Vermutlich nicht orthodox, aber ich fand es unwiderstehlich. Ich weiß ja, dass jede Aufführung anders ist, aber dass auch jeder Sitzplatz anders ist und den Kunstgenuss derart beeinflussen kann, das wird mir erst allmählich klar. Jedenfalls saß ich auf einem Platz, auf dem ich sonst nie sitze, und brauchte zwanzig Minuten, um mich daran zu gewöhnen. (Nachdem ich leider kein Akustik-Aufbaustudium absolviert habe, muss ich meine Platzwahl empirisch betreiben.) Wobei andererseits gerade der Anfang hochinteressant war, weil man mit der zweiten Besetzung Szenen einer ganz anderen Ehe erleben konnte. Zu den Solisten: Holger Ohlmann als Sokrates und Sandra Moon als die zänkische Xanthippe bekamen großen Applaus. Besonders schön fand ich die Sokrates-Arie “Quest’io so che nulla so”. Bei Elaine Ortiz Arandes als Amitta war das Publikum merkwürdigerweise zurückhaltender, obwohl sie ganz herausragend fabelhaft war, besonders darstellerisch. Christina Gerstberger als Rodisette und Ella Tyran als Edronica waren für mich die Highlights des Abends – in Gesang und Darstellung überragend, absolut perfekt. Die wunderschönen Gesangspartien dieser beiden Prinzessinnen bieten natürlich auch eine tolle Vorlage, um Eindruck zu machen. Robert Sellier ist als Prinz Melito ein Genuss, rundum super. Der Prinz Antippo, gesungen von Countertenor Yosemeh Adjei, hat eine Ausstrahlung und Bühnenpräsenz, das ist wirklich etwas Besonderes. Gregor Dalal als Nicia ist optimal besetzt, mit einer wunderbar kräftigen Stimme. Die Philosophie-Studenten Alcibiades (Stefan Thomas), Xenophon (Bernhard Appich) und Plato (Oliver Weißmann) haben mir ausgesprochen gut gefallen. Mauro Peter als Pitho durfte sich bei dieser zweiten Aufführung endlich gesondert verbeugen und bekam so den Applaus, den er schon zur Premiere verdient gehabt hätte. Maximilian Wintergerst (aus dem Kinderchor) als Cupido bezauberte durch sein unbefangenes Spiel. Der Tänzer Denys Mogylyov als lebende Adonis-Statue war – wie soll ich es ausdrücken? – genau richtig. So muss es sein, und nicht anders. Die beiden Cameo-Rollen des Malers (Christian Ammermüller) und des Bildhauers (Peter Hillebrand) waren hervorragend besetzt. Ach ja, ceterum censeo: Der Chor war sehr gut. Das frischgebackene Barock-Orchester unter seinem Dirigenten Jörn Hinnerk Andresen bekam bei jeder Gelegenheit Riesenapplaus und Bravorufe. Ich finde, die Musik hat unter anderem Ähnlichkeit mit Bach, und ich mag diese höfische Musik. Vor meinem geistigen Auge sehe ich elegante Herren und Damen Menuette tanzen. Das würde ich bitte gerne in der nächsten Barock-Inszenierung auch noch sehen wollen. Aber es ist erstaunlich, wie viele Opernkenner man trifft, die Barockmusik nicht besonders mögen, die insbesondere den angeblich so beliebten Bach nicht ausstehen können, die aber witzigerweise den “Sokrates” ausgesprochen nett finden. Das ist wohl wie bei den einzelnen Szenen: Für jeden ist was geboten, und wenn zwischendrin etwas nicht gefällt, ist es auch gleich schon wieder vorbei und eine neue, ganz andere Szene beginnt, weil die Bilder immer nur wenige Minuten dauern. Und zum Schluss ein kleines aber wichtiges Detail: In dem Programmheft, das so kulturbeflissen gestaltet ist, dass es problemlos auch in der Staatsoper erscheinen könnte, fehlen schmerzlich Erklärungen zu den Besonderheiten eines Barockorchesters und Abbildungen der ungewöhnlichen Instrumente. Soll sich das geneigte Publikum diese ganzen Spezialitäten im Internet zusammensuchen? Das ist ziemlich zeitaufwendig, wie wir hier auf dem Blog bei unseren Recherchen für das Interview mit dem Dirigenten Andresen festgestellt haben, und für viele Senioren eine Zumutung. Sophisten würden sagen, es ist mittelfristig vermutlich egal, und langfristig sind wir sowieso alle tot, aber ich finde doch, dass der Zuständige sich kurzfristig wenigstens die Mühe hätte machen können, diese Aufgabe zumindest zu delegieren. Ähnliche Artikel: |
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